西班牙巴洛可什么节目

㈠ 街头霸王里的假面叫什么名就是带面具那个

巴洛克(BARLOG)

号称西班牙最强斗牛士的巴洛克（Barlog美版名为VEGA）受训于西班牙忍者学校，结合其斗牛技和忍者术，巴洛克是地下拳赛中最优秀的选手。由于被维加看中，而被招进了Shadowlaw组织，从此成为维加的傀儡之一。巴洛克是一个极为爱美的男子，他认为伟大的战士就要有美丽的外表虚中森，他总是认为自己就是世界上最英俊的格斗家，为了不让自己的脸部在战斗中受伤，巴洛克总是戴着一副钢制面具。在第二次街霸比赛中，巴洛克被维加安排在沙卡特之前接受世界格斗家们的挑战。对一向自负的巴洛克而言，这无疑是一种侮辱。巴洛克一向认为自己才是危机最重要的战士，而沙卡特实在长得太丑不配拥有太多权利。当然， 巴洛克也确实是一位优秀的格斗家，他的钢爪常常让对手闻风丧胆。
君临SHADOW的格斗王，使用精神力量的邪恶魔人

作为邪恶组织SHADOW总帅，操纵邪恶力量[精神力]的魔人。原本不过是一介格斗青年，但是上升的志向太过于强烈，把师父杀培肆害，开始了暴走。那之后，变企图征服世界。包括春丽父亲的失差亩踪，T 霍克父亲的被害，CAMMY等女性的诱拐洗脑，都是SHADOW所干的勾当。
异常发达的筋肉和能发挥惊人力量的精神力是VEGA强大的源泉。他以超越人类轨道的华丽动作，将对手打倒。包围着精神力发出的突进技[精神力暴击]，葬送了无数格斗家。 SHADOW秘密开发的装置[PSYCHO DRIVE]完成以来，VEGA征服世界变更加积极而且正式了。以集结精英女性组成[VEGA亲卫队]开始，开始收集各地强大的格斗家。为了强化其组织，并为了得到保存不断增幅的精神力的[身体]。。。。。以RYU作为理想的身体的VEGA，企图将其捕获并利用。。。。。

㈡ 请问这个是出自哪里意义是什么，在线急等啊！

莫扎特的歌剧《唐璜》片段，这个人物应该是“总督石像”一角，具体请参阅以下“中国经济网”文章：

《唐·乔瓦尼》(Don Giovanni)

男性情欲

素材和人物的圆满：当然是歌唱的英雄。一部关于情欲与死亡的神秘王国的歌剧。

歌剧描述了一个不知羞耻、放荡成性的男子形象，他毫无顾忌地追寻情欲及死亡。无论是在勾引异性，还是在对待作为不屈力量象征的石像时，无政府主义者唐·乔瓦尼永远随心所欲、不假思索。全剧结尾处，面对众人要求悔改的警告，他不以为然。他毫无畏惧地向石像伸出手，最后被拖入地狱。歌剧以谋杀开场，以灭亡结尾。作为一部关于情欲的侦探歌剧，《唐·乔瓦尼》是莫扎特的夜茄陵曲。

序曲时已经有两个世界发生了激烈碰撞。那是石头主题与佩剑主题的对抗。恢宏的音乐与总督不屈的脚步声形成强烈反差。唐·乔瓦尼是贵族社会中能将要求平等的革命性口号真正落实到行动中的惟一人。在莫扎特时代，唐·乔瓦尼与莱波雷洛(Leporello)的声部近乎相同。第二幕开场后不久，当莱波雷洛决心离开唐·乔瓦尼时，主仆二人竟唱起同一个音调。一个唱“是”(si)，另一个唱“不”(no)。内容不同，音乐却一致。与唐·乔瓦尼分道扬镳，近乎奢望。莱波雷洛可谓剧情的编年史作者，精确地记录着唐·乔瓦尼的一举一动。通过“市民”之手，观众已经了解了整个故事。

第一幕，唐·乔瓦尼邀请所有人去他的城堡参加宴会。终场，众人欢庆终于获得解放，三个舞台管弦乐队奏出三段分别代表不同社会阶层的舞曲：贵族、市民与农民。此处的音乐已明显带有20世纪拼贴画的风格。第二幕终曲，又发生了令人吃惊的事情。唐·乔瓦尼让舞台乐师奏起了当时着名歌剧中的流行曲目。莫扎特甚至故意从他《费加罗的婚礼》中摘取了一段咏叹调，并入该集锦中。音乐正变得可以互相交换。莫扎特有意在唐·乔瓦尼的地狱之行前，加入了一段滑稽短剧。而之前，唐·乔瓦尼在公墓里与总督石像的遭遇已经是一场闹剧。莫扎特毕生都在毫不留情地批判任何形式的伪道德。

有人认为颤掘戚，唐·乔瓦尼与卡萨诺瓦(Casonova)乃一脉相承，这种观点极为荒谬。如果说他和某个历史人物相似，那这个人应该是萨德侯爵(Marquis de Sade)。对这两个人而言，无论何种比较试验都不过分。两幕中共出现三个主要女子形象：唐娜·安娜(Donna Anna)、唐娜·埃尔维拉(Donna Elvira)及泽林娜(Zerlina)。总督之女唐娜·安娜在遭到夜间闯入者的侵犯时逃跑了。这时，她和唐·乔瓦尼唱起同一支旋律。从此，她再也无法摆脱唐·乔瓦尼的音乐。甚至当她意识到，闯入她房间的那个人正是杀害父亲的兇手时，她的乐调依旧停留在夜晚经历那一场。当她唱起复仇咏叹调时，她的脑海中只念着一个人：唐·乔瓦尼。波澜起伏的动作路线贯穿了整个剧本。如果说唐娜·安娜一而再、再而三地逃避唐·乔瓦尼，只为了掩盖现实，不必承认自己与他的距离其实是那么近，那么唐娜·埃尔维拉却如同妹妹般，与唐·乔瓦尼如影随形，甚至到了最后关头仍不忘规劝他悔改，只可惜没达到任何效果。唐娜·埃尔维拉的第一首咏叹调实际是一组三重唱，因为其中还不可细分地夹杂着唐·乔瓦尼和莱波雷洛的声音。第二幕开场，打扮成唐·乔瓦尼的莱波雷洛勾引唐娜·埃尔维拉得手。这决非瞎胡闹。莫扎特只希望借此传递这么一个信息：她(埃尔维拉)相信一切她希望相信的东西。她甚至被声音的魔力所诱惑——这正是一部歌剧的理想主题。在乡村姑娘泽林娜与未婚夫马塞托(Masetto)的婚礼当日，唐·乔瓦尼答应娶她为妻。面对唐·乔瓦尼的引诱，泽林娜虽能严词应对，但最终还是在音乐中屈服了。关键时刻，唐娜·埃尔维拉携着强有力的巴洛克风格咏叹调闯入，打断了二人的幽会。

虽然歌剧名为《唐·乔瓦尼》，但男主角并没有一曲名副其实的咏叹调。在一首以“蘑菇咏叹调”命名的着名回旋曲中，莫扎特创作了一个不断开始、却又立即终止的音乐主题。观众如果直面剧本的情爱，会发现它永远在移动，根本无法定位在某一点或某一曲咏叹调上。第二幕，唐·乔瓦尼的那首窗下情歌是一部经典曲目散团，如果当时已发明广播，那它毫无疑问将是所有电台的必备节目。第三首独唱是情急之下的产物。农民在奥塔维奥的带领下，手持木棍准备好好教训贵族一番，乔装成莱波雷洛的唐·乔瓦尼为引开农民的注意，立刻拿起音乐的武器。从严格意义上讲，唐·乔瓦尼并没有自己的音乐，但他却能不断引起他人的音乐。歌剧以大合唱形式描述了无法用理性解释的情景，例如第一幕的四重唱和第二幕的七重唱，这决非偶然。唐·乔瓦尼为彻底打消唐娜·安娜与唐·奥塔维奥的怀疑，竟索性称唐娜·埃尔维拉患有精神病。恶梦降临到所有人头上。他们仿佛置身于玻璃钟下，在真空里唱歌。第二幕的那首六重唱中，一场捉摸不透的大混乱笼罩着每个人，但大家都清楚感觉到“脑海中有千百个思想在嗡嗡作响”。整整六名歌手完全被唐·乔瓦尼所吸引，不能自拔。

乍眼看去，歌剧似乎有一个奇特结尾。莫扎特为唐·乔瓦尼的地狱之行增加了一段六重唱的收场白，莱伯雷洛以主人的毁灭为题，概括出一句头条新闻式的台词：“……轰隆巨响，……被魔鬼吞噬”。随后，众人齐唱，“这般流氓，生如同死”。众人你一言我一语地诅咒恶行，所有人都不约而同地围绕着同一个音乐主题，直到最后有人发现，唐·乔瓦尼的离去也同时带走他们生活的中心。

对莫扎特而言，《唐·乔瓦尼》远没有结束。布拉格首演后，剧组移师维也纳，而那里的观众并不像布拉格的那样开明。于是，歌剧又回炉加工。此外，莫扎特还特意为唐娜·安娜的未婚夫唐·奥塔维奥重新谱写了一部咏叹调。奥塔维奥并非许多演出错误展现的那样是个狂热者或胆小鬼，恰恰相反，他是一个具有深厚感情世界的人。他是唐·乔瓦尼的真正对手；为了将唐·乔瓦尼的罪孽告知天下，奥塔维奥不再坚持决斗，而是公开对他提起控诉。唐·奥塔维奥无力扭转唐娜·安娜的顺从本性，他完全明白自己时代的理性与公正的特点。只有一件事彻底从人们的视野中消失了，而且再也无法弥补：无所顾忌的情爱魅力，人们将永远失去自由选择爱情与死亡的权力。

《唐·乔瓦尼》(DON GIOVANNI/OSSIA IL DISSOLUTO PUNITO)

两幕喜歌剧

意大利语

剧情：

第一幕：深夜，唐·乔瓦尼的仆人莱波雷洛独自在总督的女儿唐娜·安娜的住处外，他被留在门外看守，而唐·乔瓦尼则闯入屋内。突然，安娜大叫救命，决斗中唐·乔瓦尼将安娜的父亲杀死。安娜和未婚夫奥塔维奥发誓要找到杀人犯，让他偿还血债。黎明时分，唐·乔瓦尼遇见曾被他抛弃的唐娜·埃尔维拉，二人婚后的第三天，唐·乔瓦尼便弃她而去。他吩咐莱波雷洛给她念一份情妇名单。农民们正在庆祝泽林娜与马塞托的婚礼。为了勾引泽林娜，唐·乔瓦尼吩咐莱波雷洛将马塞托以及村民请到他的城堡去。唐娜·埃尔维拉突然出现，破坏了唐·乔瓦尼与泽林娜的幽会。唐·乔瓦尼当着唐娜·安娜和唐·奥塔维奥的面，称唐娜·埃尔维拉精神错乱。当只剩下安娜和奥塔维奥二人时，安娜承认，已经认出唐·乔瓦尼就是在那个不幸夜晚闯入她房间的那个人。她要奥塔维奥发誓为她报仇。莱波雷洛按主人命令，邀请唐娜·安娜、唐娜·埃尔维拉和唐·奥塔维奥参加假面盛会。混乱中，唐·乔瓦尼将泽林娜带出大厅。泽林娜的呼救声惊动了其他人。唐·乔瓦尼堂而皇之地将所有罪过都推到仆人身上。唐·奥塔维奥、唐娜·安和唐娜·埃尔维拉要求追究唐·乔瓦尼的责任，却被他趁机溜走。

第二幕：逃跑途中的唐·乔瓦尼依旧在寻找新的勾引对象。为了勾引埃尔维拉的女佣，唐·乔瓦尼故意让仆人莱波雷洛穿上他的衣服，引开埃尔维拉的注意。这时，马塞托与一群农民跑来，要惩罚贵族勾引犯，穿着仆人衣服的唐·乔瓦尼骗过众人，指引他们向错误的方向追赶而去。莱波雷洛想尽方法摆脱唐娜·埃尔维拉，都不成功。不小心落入陷阱的莱波雷洛被迫暴露了真实身份。唐娜·埃尔维拉感到无地自容。莱波雷洛趁隙溜之大吉。当唐·乔瓦尼在墓地再次遇见莱波雷洛时，他命令仆人去邀请总督的石像参加晚餐。半夜，唐·乔瓦尼举行晚餐，石像应邀前来。唐娜·埃尔维拉最后一次恳求他放弃自己的浪子生活。石像要求唐·乔瓦尼回访，莱波雷洛吓得直抖，唐·乔瓦尼却毫不畏惧地向石像伸出手。在忏悔和自白声中，唐·乔瓦尼被拖入地狱。众人失去了生命的交点，重新回到各自的生活中。

相关资料：

台本：洛伦佐·达·蓬特(Lorenzo Da Ponte)

副标题：《浪子受罚》

作曲：沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart)，第527号

首演：1787年10月29日，布拉格诺斯蒂茨伯爵剧院

剧情时代：18世纪中叶

剧情地点：西班牙某座城市

演出时间：约3小时

人物：唐·乔瓦尼(Don Giovanni)，极为放荡的青年贵族男中音。总督男低音。唐娜·安娜(Donna Anna)，总督之女，唐·奥塔维奥的未婚妻女高音。唐·奥塔维奥(Don Ottavio)男高音。唐娜·埃尔维拉(Donna Elvira)，布尔戈斯城女子，被唐·乔瓦尼抛弃女高音。莱波雷洛(Leporello)，唐·乔瓦尼之仆男低音。马塞托(Masetto)，泽林娜的未婚夫男低音。泽林娜(Zerlina)，乡村姑娘 女高音。

合唱队：农民、农妇、仆人、地狱合唱队、乐师

评价：

第一次用音乐完成了关于情欲与死亡的神话。再没有第二部歌剧能让观众如此详尽地体验到人物角色不能言说、而必须歌唱的原因。

理解易懂度：☆☆☆☆

琅琅上口性：☆☆☆☆☆

现实性：☆☆☆☆

悲喜剧：☆☆☆☆

情欲：☆☆☆☆☆

来源：中国经济网

㈢ 西班牙主持人扯掉了巴洛克没打码

打了。西班牙手闷枝主持人扯掉了巴洛克打码了的，拥罩余有更好的隐私性，不会随便透露给电视机前的小孩子以及老年人，是一个很好的护毕敏隐私性功能，深受广大民众的喜爱以及选择。

㈣ 巴洛克音乐与歌特音乐有什么区别怎么区别

1． 简介“巴洛克”这个词在音乐史上的含义。

葡萄牙语baroque原意为不圆的、形状不规则的珍珠，现指欧洲17世纪和8世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格（见下文）。

2． 巴洛克时期音乐的旋律有什么特点？

乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。

3． 巴洛克时期音乐的节奏是怎样的？

主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲（或托卡塔）与赋格。

4． 巴洛克音乐采用什么调式？

大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。

5． 巴洛克音乐的和声是怎样的？

已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系，利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。

6． 什么是通奏低音（thoroughbass, 又称作数字低音figured bass或basso continuo）？

巴洛克时期特有的作曲手段。在键盘乐器(通常为古钢琴)的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字（如数字6表示该音上方应有它的六度音和三度音）。演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。

7． 巴洛克音乐的织体是怎样的？

复调织体占主要地位，其写作技术达到了空前绝后的高峰。与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。同时也有许多作品采用主调织体。

8． 巴洛克时期的曲式是怎样的？

以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。

9． 巴洛克时期有哪些主要的音乐体裁？

声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。 器乐：托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲（以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主）、协奏曲（管弦乐协奏曲、大协奏曲、、独奏协奏曲）。

10.巴罗克时期音乐的情绪是怎样的?

在一个乐章之内保持一种基本情绪,在乐章与乐章之间才形成对比.

11.巴罗克时期音乐的力度是怎样的?

不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。

第一节.歌剧的诞生和早期歌剧

1. 歌剧（Opera）诞生于何时何地？它是怎样诞生的？

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐.伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。

2. 歌剧的前身是哪些音乐形式？

音乐和戏剧的结合可以追溯到古代，包括古希腊悲剧、中世纪的仪式剧、宗教神秘剧、奇迹剧，文艺复兴的牧歌套曲、田园剧、幕间剧等形式。

3. 简介幕间剧（intermedio）、田园剧（pastoral drama）。

幕间剧是在戏剧两幕之间演出的有音乐的短剧。田园剧是传奇题材或乡村题材的带有音乐的舞台剧。

4. 历史上第一部歌剧是哪一部？谁创作的？故事取材于哪里？

1597年由里努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》，取材于希腊神话。但乐谱已遗失。

5. 现存的第一部歌剧是哪一部？谁创作的？故事取材于哪里？

1600年里努契尼写剧本、佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。取材于希腊神话。

6. 在最早的歌剧中音乐形式是怎样的？

声乐部分以接近于朗诵的宣叙调为主，由少量乐器伴奏，采用通奏低音。音乐形式较为简单。

7. 简介蒙特威尔第（Monteverdi）的歌剧写作观念以及他所奠定的早期歌剧形式。

主要是加强音乐性和情感表达。具体做法是将宣叙调的旋律线条拉长，使其具有歌唱性，并与短小的歌曲、二重唱和牧歌式的重唱交替，形成对比。他采用较大规模的乐队伴奏，并通过弦乐器的震音、拨弦以及不协和和声的运用造成强烈的戏剧性效果。在歌剧中加入器乐段落，如一开始的“托卡塔”（即后来的序曲）、中间的舞曲等。歌剧的基本模式正是在他的创作中形成的。

8. 举出蒙特威尔第的两部代表作。

《奥菲欧》（或译作《奥尔菲斯》）、《阿丽安娜》。

9. 继蒙特威尔第之后，17世纪威尼斯歌剧的代表人物（歌剧领域的威尼斯乐派）是谁？

蒙特威尔第的学生卡瓦利（Cavalli,1602-1676）、切斯蒂（Cesti,1623-1669）。

10. 18世纪意大利拿坡里（那不勒斯）歌剧（拿坡里乐派或那不勒斯乐派）主要代表人物是谁？他的创作有哪些特点？

阿.斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti,1660-1725）。他重视音乐在歌剧中的抒情作用，强调咏叹调的表现力，创立了ABA形式结构，称作“返始咏叹调”或称“再现咏叹调”（da capo aria）。他的乐队更加完备，还创立了“快-慢-快”的歌剧序曲（当时称作“交响曲”sinfonia）。

11. 拿坡里歌剧的特点是什么？

注重独唱者声音的美感和音乐外在的效果，追求音乐语言和形式的程式化，音乐织体较简单，主要是独唱旋律和简单的和声伴奏。缺点是缺少真实性和戏剧力度。这种倾向导致了歌剧在18世纪的衰败。

12.介绍宣叙调和咏叹调.

宣叙调在歌剧(或清唱剧)中用于人物对话和剧情发展,其旋律接近于朗诵,咏叹调用来抒发人物感情并表现演唱技巧,音乐优美华丽，音域较宽。

13. 什么是白话朗诵宣叙调（又译作清宣叙调、干宣叙调，recitativo secco,dry recitative）和带伴奏宣叙调（recitative obbligato，accompagnato）?

前者是只用羽管键琴和一件低音乐器伴奏的宣叙调，主要用于大段的对话和独白。后者采用乐队伴奏，用于紧张的戏剧性场面，由于它在某中程度上带有咏叹调特点，因此又称之为咏叙调（arioso或recitativo arioso）。

14．什么是“Da Capo Aria”（返始咏叹调）？

ABA三段式咏叹调，再现时可以随歌手喜好加上一些自由的炫技。

15． A.斯卡拉蒂确立的意大利歌剧序曲是怎样的？

（见本节第10题）

16． 法国歌剧是怎样形成的？

十七世纪从意大利传入后，立即带上了法国化特征：重视宣叙调，在其中突出了法语特有的韵律和节奏感；在歌剧中加进大量舞蹈场面；舞台装饰极为华丽，表现帝王生活的气派；歌剧序曲采用与意大利相反的速度安排：慢——快——慢。

17． 奠定了法国歌剧形式的是哪一位作曲家？

原籍意大利的吕利（Lully，1632—1687）。（歌剧风格见上面第15题）

18． 简介法国作曲家拉莫的历史贡献。

作有大量歌剧和古钢琴作品，但更重要的是在1722年发表了《和声基础理论》，为现代和声理论奠定了基础。

19． 英国歌剧创作的代表人物是谁？请举出代表作一部。

浦赛尔（Purcell，1659—1695），代表作是《迪东和伊尼》。

20． 简介德国“歌唱剧”（singspiel）。

有对白的德国民间喜歌剧，音乐带有鲜明的民族特色。对德国歌剧的发展有重要影响。

21． 简介清唱剧（Oratorio）、受难曲（Oratorio Passion）和康塔塔（Cantata）。

清唱剧：将宗教或史诗题材的歌词谱曲，音乐形式包括独唱、重唱、合唱和管弦乐，在教堂或音乐厅演出。与歌剧不同之处在于清唱剧没有复杂的舞台装置和戏剧动作表演。

受难曲：音乐形式与清唱剧一样，在题材上集中于基督耶稣受难（钉十字架）的故事。

康塔塔：也译作大合唱，是带有独唱、重唱、合唱及管弦乐的体裁，内容有宗教的也有世俗的。与清唱剧一样的是没有舞台装置和戏剧动作表演。

第二节. 器乐、键盘乐

1.简介德国路德教的众赞歌变奏曲（chorale variation）、众赞歌幻想曲（chorale fantasia）。

在众赞歌旋律基础上进行变奏或自由发展的管风琴曲。

2.简介托卡塔（toccata）和赋格曲（fugue）。

托卡塔:一种键盘乐曲体裁，节奏较自由，带有炫技性。

赋格曲:一种结构严谨、节奏规范的复调音乐体裁，主要是在一个主题之上以模仿对位手法构成。

3.简介恰空（chaconne）和帕萨卡利亚（passacaglia）。

恰空也译作夏空，是三拍子的舞曲，风格庄重。通常是在一个多次出现的固定低音（或一个和声进行模式）之上以变奏手法写成。帕萨卡利亚与恰空常常不加区别。

4.简介巴罗克时期的组曲。

将不同速度、节拍、民族风格的舞曲组织到一起的体裁。

5.巴罗克时期最着名的古钢琴作曲家有哪几位？

法国的F.库泊兰（Francois Couperin，1668—1733）、拉莫，意大利的D.斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti，1685—1757），德国的巴赫、亨德尔。

6.什么是十二平均律（equal temperament）？

在键盘乐器上将一个八度内的所有半音都调成一样距离（音分）的调律方法。

小型合奏乐

1．简介巴罗克时期的教堂奏鸣曲（sonata da chiesa）和室内奏鸣曲（sonata da camera）。

奏鸣曲是独奏或重奏的器乐曲。前者风格较为严肃，很少用舞曲，后者则轻快些，各个段落都采用舞曲风格。

2．简介独奏奏鸣曲（solo sonata）和三重奏鸣曲（trio sonata）。

独奏奏鸣曲由一把小提琴（或长笛或其他乐器）加一个通奏低音乐器，有时只有一件乐器独奏（如无伴奏小提琴奏鸣曲或古钢琴奏鸣曲）。三重奏鸣曲由两把小提琴和一个通奏低音乐器（键盘乐器）、一把大提琴（或大管）演奏，两把小提琴演奏两条对位关系的旋律，另两件乐器演奏低音及和声。

大型合奏乐

3．简介大协奏曲（concerto grosso）、独奏协奏曲（solo concerto）和乐队协奏曲（ripieno concerto）。

大协奏曲：由几件乐器组成的独奏小组和管弦乐队的协奏。

独奏协奏曲：一件独奏乐器和管弦乐队的协奏。

乐队协奏曲（又译作管弦乐协奏曲）：并不突出某件乐器或某个乐器组，实际上就是管弦乐曲，一般写法是由第一小提琴声部演奏主旋律，并运用数字低音。

4．简介维瓦尔蒂（A.Vivaldi，1675-1741）和他的协奏曲《四季》。

（略）

第三节.巴赫和亨德尔

以下问题欢迎朋友们来谈论。

1．巴赫（J.S.Bach，1685—1750）最杰出的写作技巧是什么？或：巴赫在音乐历史上最大的贡献是什么？

2．巴赫被称为“继往开来”的人物，为什么？

3．巴赫的作品种类繁多，请举出他的宗教音乐、管风琴曲、古钢琴曲、独奏器乐曲和管弦乐曲主要代表作。

4．亨德尔（Handel，1685—1759）在那两种音乐体裁中有突出的成就？

5．为什么亨德尔的歌剧写作受到了挫折？他的歌剧有什么特点？

6．亨德尔的清唱剧创作有哪些特点？请简介《弥赛亚》。

7．亨德尔重要的器乐作品有哪些？

8．巴赫（J.S.Bach）与亨德尔（Handel）的音乐（包括写作手段和个性）有哪些不同之处？
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主要作曲家
意大利∶
科莱里（Arcangelo Corelli, -1713）
A.斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti, 1660-1725）
维瓦尔第（Antonio Vivaldi, 1678-1741）
D.斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti, 1685-1757）
德国∶
巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750）
亨德尔（George Frideric Handel, 1685-1759）
泰勒曼（Georg Philipp Telemann, 1681-1767）
法国∶
吕利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687）
弗朗索瓦·库普兰（Francois Couperin, 1668-1733）
让-腓力·拉莫（Jean-Philippe Rameau, 1683-1764）
英国∶
普赛尔（Henry Purcell, 1659-1695）

Gothic）这个特定的字汇，早先指涉的是西欧的日耳曼部族。时常误解它的审美学和混淆这个术语，哥特是80年代前中期主要存在的前朋克一个分支。它以形成于地下摇滚的最黑暗和阴沉的特点很大程度上应受此荣誉，尽管今天它的荣誉更多的来自于乐队戏剧化的服装和它的追随者。音质上，哥特采取了阴冷的合成器效果，加工了前朋克的吉他声音使它们建造一种不祥之兆，悲伤的感觉，通常是很壮观的音响背景。在早期，它的歌词常常是自省和激烈的针对个人的，但是它诗歌般的敏感性很快导致品位转变到浪漫文学，宗教思想和超自然神秘主义上。

哥特通常不是严格意义上受欢迎的风格，被给予了一种华丽诗意的倾向，无情悲哀的挽歌和无止境的戏剧化。然而，它产生了投入的，仍旧兴旺的亚文化，使它的美学概念在最初音乐全盛期过了很久后一直存在着。哥特的教父是英国前朋克乐手Joy Division, 他的阴冷，偏僻，强迫性的自省音乐和歌词为哥特最初的结构打下了基础。但是对于所有的意向和目的来说，真正赋予哥特生命的是”Bela Lugosis Dead”，来自1979年Bauhaus的首张专辑。像the Cure 和Siouxsie & the Banshees这样阴冷的前朋克乐队已经在同一时期具备了完美的哥特风格，并且他们的重型音乐，恐吓的装容和黑色的服装成为了歌迷崇拜的一个重要的组成部分。当哥特的声望在某一片被青少年疏离的敏感区（最初是在英国，那儿是大部分哥特乐队起源的地方，其次是美国）蔓延开来时，它的意识风尚变得越来越古怪，并且最初的音色稍微有些发展了。

The Cure，Siouqwie & the Banshees和the Mission UK和成了更多流行和另类的成分在他们的音乐中，当the Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim和美国的乐队Christian Death使用沉重的，不时受金属感化的手法。在80年代末，最初的哥特运动已经不复存在了，但是这种音乐变异成了新的形式并继续影响很多黑暗金属流派。在90年代期间，哥特音乐开始通过工业音乐来cross-pollinate，产生同时吸引两边的混合物，同暗潮流派（他们也同样将80s合成器与梦幻流行合在一起）一样。90年代后半期，还可以看见哥特的影响力突然出现在重金属中；一个新的改革黑暗金属乐队的种类模仿了很多哥特的音色和风格，当一些另类金属乐队也从沿袭了哥特的视觉效果（包括Marilyn Manson, 他们不顾很多关于不属于哥特风格的反面评论）。

“Gothic”这词由来已久，在文艺复兴时期用来表示中世纪的艺术形式。

它的命名是从德国的“Goth”部落由来的，Goth人入侵了意大利并推翻了罗马帝国。在15世纪，人们普遍带有着文艺复兴的观念，希望回到古典时代。介于古典时代和文艺复兴时期的这段时间被称为中世纪。因为意大利记恨Goth人毁掉了他们的罗马帝国，文艺复兴时期的人们始终对中世纪带有着否定的术语，他们称这一时期为“Gothic”意味着野蛮和粗野。当然我们要看到事物的双面性，中世纪给世人留下了很多宝贵的文化遗产和杰出的艺术作品。这时期的建筑技术上有了突破式的改进，产生了像NOTRE-PAME这样的哥特式大教堂。哥特式的艺术不仅体现在建筑上，从12世纪到16世纪的早期，雕刻，玻璃制品，装饰物等都贴上了哥特艺术的标签。宗教在哥特艺术作品中起到了很重要的因素。画家，雕刻家们比起用现实主义的方法表现主题更多的运用宗教的感觉。不管怎么说，文艺复兴时期的人们很显然对“Gothic”这个词汇是含蓄的否定。

在1822年左右的浪漫主义运动中（ROMANTIC MOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。浪漫主义成为这场文化运动的中心。浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘注意中寻求理想，还有写人试图从自然中得到答案。他们用自己不同的方式来达到自己的目标。在整个浪漫主义运动中哥特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和哥特作家象Byron, Shelley, Baudelaire还有 Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。哥特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象Caspar David Friedrich 对黑暗和荒凉的展现。而在建筑上新哥特式逐渐成为时尚。这一时期许多哥特式小说家不断涌现，不仅哥特文学是对人类自身黑色阴暗面的展示，也是对当时社会正统思维模式的一种挑战，是一种恐怖，神秘色彩的混合体。哥特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如玛利·雪莱的Frankenstein,布来恩.斯托克的Dracula,还有Edgar Allan 诗集中的描写.斯托克笔下对吸血鬼化身的描述同以往比较走入了对立的角度.(当代作家Anne Rice 的Interview with the Vampire和Poppy Z. Brite的Lost Souls等作品也是斯托克式的延续.)

到了20世纪30年代，近代哥特运动在英国开始上演，哥特运动的出现或许可视为是先前朋克运动(punk) 的延续。不论如何，哥特精神开始在音乐上 展现其影响力，哥特音乐以表现人性的阴郁、空虚为主题，并且对死亡亦有着浓烈的兴趣，缓慢、悲伤甚至是恐怖都是其音乐的特色。

最早使用“哥特”这个术语的是英国广播电台节目主持人Anthony H. Wilson ，他同时也是Joy Division 的经纪人，他曾经宣布Joy Division 乐队将作为一支哥特式的乐队而有别于其他主流音乐流行乐队。哥特文化作为一场现代文化运动，开始于七十年代末期PUNK摇滚的音乐浪潮，当后者渐渐退去的时候，哥特文化作为一种边缘的亚文化幸存了下来。哥特文化是一种独特的中世纪复古风格的音乐、艺术和文学的文化范畴，在音乐上它承袭了七十年代欧美 PUNK摇滚音乐的音乐风格，在艺术上表现为一种对十二到十六世纪西欧的哥特式建筑风格的强烈复古倾向，在文学上演变为那种隐郁和怪诞的神秘黑暗文学。哥特文化实际上倾向于那种非暴力的、和平主义的、被动的、宽忍的生活态度。但在许多媒体中却将它错误地理解为那种极端暴力的，仇视少数民族的和白人至上主义的边缘文化。哥特文化总是表现出一种孤僻疏离的，阴沉的精神气质，它总是去探讨那些引人深思的社会问题，种族歧视、战争、以及仇恨。精神上对死亡的迷恋，驱使哥特文化不停地试图去找寻对生活、痛苦和死亡的另外一种思考。
初期的哥特音乐

一场新的哥特运动在整个80年代影响越来越大.相对70年代后期产生的朋克是判逆式的没有遵从的另类文化,也许新哥特运动的产生是对朋克的一种回映.哥特运动反对狭义的道德,性观念,和传统的宗教信仰.音乐反映人性中黑色阴暗面以及对死亡独特的迷恋.音乐抒缓而强劲的声音经常表现在抑郁,阴沉,甚至病态.

新哥特运动与10世纪的浪漫主义有着明显的关联,抒情诗性的,死亡的主题,对毁灭和黑暗的探寻是哥特艺术家的共同表现方式.音乐上,一些流派尽管加进了舞曲节拍和电子音乐元素,但仍以小和弦,缓慢的节奏表现出明显的怪诞和抑制机构特性.视觉上,哥特艺术家看上去喜欢强化一种死亡式的审美,苍白的面孔, 黑色的长服,维多利亚时代的时尚(如有绉饰边的衬衣),中世纪的废墟和哥特式的建筑.

很难具体确定哥特音乐产生的时间,70年代末期一些新的组合,乐队的声音或外形开始存在某种程度上黑色的成分.象The Cure, Siouxsie and the Banshees, The dreamend, Adam & the Ants, Ultravox, Killing Joke, The Sound, the Comsat Angels 还有 Joy Division.他们的新浪潮和dark pop music 的乐风对后来的哥特音乐产生有着非常大的影响.也许第一首真正的哥特圣歌是Bauhaus的Bela Lugosi's dead.

最早英国流行哥特乐队是UK Decay(现在已经没什么人知道了),80年代中期一些乐队象The Sisters of Mercy, The Mission和Fields of the Nephilim取得了相对的成功,他们的哥特摇滚乐和外形成为哥特的标准形式,成为许多后来组合的模仿对象,这种情况特别是在英国.这一时期非常优秀的乐队还有And Also The Tree,Xmal Deuschland,Love Like Blood等.

整个80年代老式的哥特乐风占据着主导的地位,而一些乐队探索着新的声音,并不段摸索着新的音乐路线,最好的例子就是Dead can Dance,在他们典型哥特式第一张同名专辑后音乐从中世纪和东方乐曲中吸收元素,风格融入了不少的世界音乐成分.之后的几年DCD获得了更多的认可,遗憾的是最近乐队已经解体.The Cocteau Twins和DCD相同是来自4AD公司的组合,是4AD低调迷幻乐风的代表.

英国不是唯一出产黑色音乐的地方,来自美国的The Swans 早期涉足与先锋乐派(avant-garde)领域,创作出了几张伟大的专辑象like Children of God, White Light from The Mouth of Infinity 还有 The Burning World.另一支传奇性的乐队Christian Death也许是被许多人认为是美国最着名的哥特乐队了,他们不断的做出一些有争议的专辑,最值得推荐的是Only Theatre of Pain 和 Catastrophe Ballet这两张.此外象Faith & the Muse,London after Midnight也是来自美国的优秀哥特组合.

哥特音乐的发展

现在让我们去了解一下哥特音乐的改良风格和其他相关乐派.产生与比利时的EBM(Electronic Body Music )是一种电子化阴冷黑色的音乐。受德国KRAUTROCK运动中Kraftwerk之类电子乐队的影响下产生的。EBM创始乐队之一Front 242一低限化的节拍，抑郁的声音和军国主义突击队是的装束被大家认识。The Klinik, Insekt, Dive, Click Click, A Split Second 还有后来的Suicide Commando都是BM的一些重要乐队。 Dive和Klinik利用声纳噪音营造出一种冰冷的外太空气氛。 Suicide Commando则融入了更多的舞曲化成分。类似的乐风在美国和加拿大被称为Instrial，象Front Line Assembly ，Skinny Puppy 等乐队。他们制造查的合成音乐和多层次的声音非常适合带上耳机去欣赏。 Front Line Assembly的经典专辑Classic albums are Caustic Grip(1990) and Tactical Neural Implant (1992),值得每个喜欢EMB的人去收藏。

说到现在我们还没有谈到德国，那里可是现在哥特音乐的重镇。许多德国的乐队被惯以DARK WAVE的音乐标签。Project Pitchfork乐队是德国最早涉及到哥特音乐领域内，虽然他们的乐风有所改变，但一直算是一支流行化的组合，首张专集Dhyani亦为经典，有典型的黑色音乐和评论性的歌词组成。Deine Lakaien乐队的成员有着深厚的音乐基础，他们做出了象'Love me to the end'这样的浪漫主义歌曲。作品带有着某种程度的中世纪感觉。德国很大一部分组合演唱时保持着自己的母语，例如Goethes Erben，乐队的名字也就说明了一切。他们的前三张专辑就象是三部曲。各自独立有相互关联。而Lacrimosa，Tilo Wolf这些乐队通过加如金属乐的元素不断的对音乐的表现手法做出尝试。当然我们必须要知道Das Ich这个组合，他们的经典专辑是Die Propheten，专辑中的歌曲机构复杂歌词充满着智慧化。阴暗电子乐派代表团体Calva y Nada 用德语和西班牙语交错演唱，他们最有特点的是主唱Brenal的低音，而歌词方面多涉及政治，社会之类的话题，从这方面看这支乐队在哥特音乐王国中显得与众不同。总的来说由于浪漫主义情节，德国的大多说乐队是浪漫的歌曲和阴暗电子化相结合的产物。

如今哥特范畴内的音乐越来越呈现出多元化的局面。例如dark folk （阴暗民谣），这种乐风的代表是Current 93, Death in June, Sol Invictus还有Fire + Ice。早期的C93作品比较实验性难以理解，之后David Tibet利用他个人化的思维开始想声学民谣的方向探索。C93的前身乐队Death in June自从首张专辑Nada推出后颇受争议，他们甚至被指控为极端的右翼倾向。但DIJ给我们留下印象最深刻的还是异教的祭典式的音乐。如果想听这类音乐推荐给大家去找World Serpent，一个卓越的音乐厂牌，上面的提到的几支乐队均在其旗下推出过作品。对了，还有一支意大利的组合Ordo Equitum Solis也应该值得我们的关注。

许多哥特乐队都有着某种中世纪的情节，他们将中世纪时期音乐和现代的创作手法相结合。德国有着许多这样的中世纪组合，音乐的创作者一般有着良好的古典音乐教育背景，知名的乐团包括Qntal ，Estampie, Freiburger Spielleyt等。在意大利这种音乐更有影响，象Ataraxia ，Camerata Mediolanense多做出了许多出色的音乐作品。着类组合不仅仅有哥特的听众群还吸引着部分古典音乐的欣赏者。而The Moon lay Hidden Beneath a Cloud和Rosa Crux的音乐中吸收了祭典音乐的成分。

当然许多乐队的风格是非常难以介定的，象意大利的Take Kirlian Camera ，20年来乐队风格年年都有变化。而法国的情欲主义阴暗电子乐队Die form 的音乐主题多涉及S/M（***），他们每一部作品多给我们带来新的惊奇。另一支来自法国的乐队Collection d'Arnell Andrea的钢琴声非常有特点，成为自己的独特的标志。善于创作管弦乐的In the Nursery乐队的作品非常适合作为电影中的陪乐。在北欧的瑞典，Cold Meat Instry 着个厂牌通过多年的努力推出了很多独一无二的音乐作品。旗下的乐队风格多样，如血腥派实验乐队Brighter Death Now 和Deutsch Nepal，氛围音乐组合Raison d'Etre，新古典主义的The Protagonist，天音组合Arcana等。说到天音如果想更好的了解建议去听一听like Love is Colder than Death, Black Tape for a Blue Girl 还有Stoa这些代表乐队。

㈤ “哥特式艺术”、“巴洛克艺术”、“洛可可艺术”及其风格是什么

十二至十六世纪初期欧洲出现的一种以新型建筑为主的艺术，包括雕塑、绘画和工艺美术。这种建筑风格，一反罗马式厚重阴暗的半圆形拱门的教堂式样，而广泛地运用线条轻快的尖拱券，造型挺秀的小尖塔，轻盈通透的飞扶壁，修长的立柱或簇柱，以及彩色玻璃镶嵌花窗，造成一种向上升华、天国神秘的幻觉。反映了基督教盛行的时代观念和中世纪城市发展的物质文化面貌。代表作品有法国的巴黎圣母院、德国的科隆教堂、英国的林肯教堂、意大利的米兰教堂等。 “哥特式”(g。thic)一词源于中世纪的建筑，是一种发祥于北法兰西、普及于整个欧洲的国际性艺术样式，包含了绘画、雕塑、建筑、音乐和文学等所有文化现象。 哥特式艺术形式意志的基本性质是指一种无止息的驱动力，沉静是这个驱动力的目标。然而，哥特式形式意志在寻找沉静、求取解脱的过程中，并不能获得真正的沉静和满足。哥特式形式意志融会于混乱的迷狂中，融会于超感官狂喜的强烈渴望，融会于一种悲怆，可以说哥特式灵魂追求的是一个超越实际与感官的世界。正如哥特理论家沃林格尔所言；“正是这被提升了的歇斯底里，才是哥特式现象最突出的标志”，。”人们感受到的是心理的沉醉，并最终获得从感觉世界中解脱出来的无上自由感。 哥特式艺术趣味的复兴 近代以来，欧洲的哥特式艺术热潮持续不断。18世纪中期，英国首先见证了哥特式艺术趣味的复兴，这种复兴是由浪漫主义文学、尤其是浪漫主义诗歌激发的，中间夹杂着宗教的虔诚、神秘幽微的自然观、悲怆的宿命情怀等因素。 源于19世纪早期的搭老雹哥特小说，其要素包括神秘、厄运、死亡与家族诅咒等，从而使得“哥特”这个词汇与恐怖、黑暗和超自然的意境相关联。哥特小说对于维多利亚时代文学样式的发展产生了深远的影响。 复兴的哥特式建筑在19世纪十分流行，英国的一些贵族乡绅热衷于在他们的庄园里复建中世纪哥特式教堂的废墟，以满足怀古的幽情。自拿破仑战争以后，已然对文学和建筑产生影响的浪漫色彩和哥特风格也延伸到了女装之中；在欧洲和美国，晚会上的珠光宝气开始渗透到白天，镶马赛克和浮雕宝石的饰针以及与之相配的珠宝逐渐流行，哥特式艺术成为当时激发浪漫主义艺术家强烈的非古典审美情怀的载体。 巴洛克艺术是指（16世纪）后期开始在欧洲流行的一种艺术形式，不仅在绘画方面知帆，巴洛克艺术代表整个艺术领域，包括音乐、建筑、装饰艺术等。 巴洛克（—Baroque）此字源于西班牙语及葡萄牙语的“变形的珍珠”(—barroco)。作为形容词，此字有“俗丽凌乱”之意。欧洲人最初用这个词指“缺乏古典主义均衡特性的作品”，它原是18世纪崇尚古典艺术的人们，对17世纪不同于文艺复兴风格的一个带贬抑的称呼，现今这个词已失去了原有的贬抑，仅指17世纪风行于欧洲的一种艺术风格。 虽然“巴洛克”直指缺乏古典均衡性的艺术作品，但其实巴洛克艺术家，与文艺复兴的前辈相同，都很重视设计和效果的整体统一性，巴洛克风格以强调“运动”与“转变”为特点，尤其是身体和情绪方面的，同时，巴洛克也是对矫饰主义的一种反动。 在欧洲文化史中，“巴洛克”惯指的时间是17世纪以及18世纪上半叶(约1600年 -1750年），但年份并不代表绝对的艺含颤术风格，特别是建筑与音乐。这一时期，上接文艺复兴(1452年 -1600年)，下接古典时期、浪漫时期。 欧洲文化“除旧布新”，在各方面都有重大的改变与成就。资产阶级兴起，君主政治渐独立于宗教之外(但民主思想萌芽)。科学在伽利略、牛顿等人的开创下展开。艺术上趋势是“世俗化”，精力充沛，勇于创新，甚至好大喜功。文艺上的名家如莎士比亚、塞万提斯；绘画上有鲁本斯，林布兰特等，影响都极深远。也在这时期，欧洲向外扩张殖民，渐渐占据了世界文明的中心。 洛可可艺术(Rococo art)是法国十八世纪的艺术样式，发端于路易十四（1643～1715）时代晚期，流行于路易十五（1715～1774）时代，风格纤巧、精美、浮华、繁琐，又称“路易十五式”。 十八世纪被看成是“理性的时代”或“启蒙运动”的时代，哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作，转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象，几乎将神学从哲学中剔除，选择倾向世俗的路线，趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。艺术的风格，在音乐家莫札特、海顿，文学家蒲伯、艾狄生、福尔泰，画家华铎、康斯博罗中，贯穿着一种共同主题，它把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来。 路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会，借着繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们，再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有利搞风流韵事，以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐。 洛可可是相对于路易十四时代那种盛大、庄严的古典主义艺术的，这种变化和法国贵族阶层的衰落，与启蒙运动的自由探索精神（几乎取代宗教信仰），及中产阶级的日渐兴盛有关。 洛可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，特别是在庭园设计、室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面（如《 中国人物小陶瓷 》，麦尔，德国，1768）。由于当时法国艺术取得欧洲的中心地位，所以洛可可艺术的影响也遍及欧洲各国。 洛可可艺术的繁琐风格和中国清代艺术相类似，是中西封建历史即将结束的共同征兆. 哥特式风格 中世纪欧洲在12至15世纪达到鼎盛，其经济和社会产生了深刻的变革，其思想、文化和艺术也达到了空前的发展。这一时期的巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。 "巴洛克"的字义源自葡萄牙语，意指"变了形的珍珠"，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，甚至用"巴洛克风格"一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。艺术风格，通常被称为“哥特式”风格。 "巴洛克"的字义源自葡萄牙语，意指"变了形的珍珠"，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，甚至用"巴洛克风格"一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。 "巴洛克"的字义源自葡萄牙语，意指"变了形的珍珠"，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，甚至用"巴洛克风格"一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。 洛可可风格宛如中国的明式家具，以流畅的线条和唯美的造型着称。相比之下，路易十四时期巴洛克风格的法国古典家具的特点是雕刻，和当时路易十四国王的英勇善战有关，在家具中是通过雕刻体现出力量。 而洛可可风格更加带有女性的柔美，最明显的特点就是以芭蕾舞为原型的椅子腿，你可以看到那种秀气和高雅，那种融于家具当中的韵律美。而路易十六时期历经了历史的变革，所以摒弃了路易十四和路易十五时期的繁杂，把家具的曲线变成了直线，只留下了凹槽的设计。 而到了新古典时期，则连凹槽也省去了，留下的就是直线条。历经了时代的变迁，法国古典家具受到了政治和经济发展的影响，然而洛可可风格仍然是最能代表法国古典家具的一种风格，受到了全世界人们的认可和推崇，也是体现人身份和品位的一种象征。

㈥ 什么是巴洛克艺术懂艺术的看过来

巴洛克艺术产生于16世纪下半期，最早产生于意大利罗马，后来扩展到整个亚平宁，至18世纪中叶后扩展到整个欧罗巴，意大利语（BAROCCO）中有奇特与变形艺术的象征。它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义、豪华享乐色彩，非常强调艺术家的丰富想象力。接下来小编为大家介绍什么是巴洛克艺术。
什么是巴洛克艺术
巴洛克艺术的特点是善于运用动势，无论是实际的建筑还是抽象的作品都可以看出其中的动感，变现了无穷感和庞大感;还有一个特点是善于运用光线，这和动势是相辅相成的，这种光线不是自然界的光，而是艺术大师们创作出的戏剧艺术的光线，使整体看上去特别有层次感和立体感以及深度。
巴洛克艺术主要表现在建筑、雕塑、绘画、段皮服装、音乐和文学上，八大艺术种类巴洛克艺术占有四种，可见巴洛克艺术对于当时的影响深远。巴洛克艺术除了音乐其他的都是视觉上的表现，音乐是听觉上的表现，视觉上共同之处就是巴洛克艺术都是讲究含蓄的美，在绘画、建筑和雕塑上可以看出巴洛克艺术的动感十足，服装上则主要以收腰裹胸为前提，整体充满着贵族的气息;在音乐上不同与其他音乐上的一点是节奏感十分强烈、活跃，而且节拍短促。在文学上则主要是贵族形式主义粗燃裂文学，因为当时受宗教的影响岩闭较大，所以巴洛克文学比较高层次。
巴洛克风格特点
1、豪华。既有宗教特色又有享乐主义的色彩；它是一种激情艺术，非常强调艺术家的丰富想象力；极力强调运动，运动与变化是巴洛克艺术的灵魂；关注作品的空间感和立体感；
2、具有综合性，强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；浓重的宗教色彩；大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，在一些天顶画中，人的形象变得微不足道。
3、雅与浪漫。巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。
巴洛克艺术代表人物
1、埃尔·格列柯(风格主义，早期巴洛克风格)
埃尔·格列柯被认为是西班牙画派第一位伟大的天才。他出生于克里特，是画家、雕塑家，同时还是建筑师。他30多岁时定居西班牙，并创作了许多关于极富精神力量的戏剧性画作。他的作品都有很强的视觉冲击力，融合了风格主义和文艺复兴时期威尼斯画派的风格，同时还富有个人的重新创作风格。
2、卡拉瓦乔(巴洛克时期)
尽管其短暂而混乱的一生充满了争议，但是米开朗琪罗·梅里西，又称卡拉瓦乔，仍然被认为是16世纪晚期17世纪早期最有影响力的艺术家之一。作为第一位真正意义上的巴洛克画家，他创造了一种全新的艺术概念，即简单的现实比理想主义更加重要。

㈦ 巴洛克艺术的特征是什么

巴洛克美术的艺术特征是有豪歼纤华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂。

代表画家以及作品：

1、彼得·保罗·鲁本斯

代表作品：《阿玛戎之战》，《强劫留西帕斯的女儿》，《美惠三女神氏滑仿》

彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）（1577年6月28日—1640年5月30日），教名伯多禄·保禄·鲁宾斯，17世纪佛兰德斯画家，西班牙哈布斯堡王朝外交使节。鲁本斯是佛兰德斯画家，是巴洛克画派早期的代表人物。

2、凡·代克

代表作品：《保利纳·阿尔多诺像》

凡·代克，全名安东尼·凡·代克，（Anthony van Dyck，1599~1641）佛兰德斯着名画家。出生于安特卫普一个富商家庭，从小学画，曾师从鲁本斯，后逐渐形成了自己独特的严谨画风，擅长肖像画，注重人物内心性格的刻画。

3、卡拉瓦乔

代表作品：《圣乌尔苏拉殉难》、《圣马太蒙召》、《拉撒路的复活》、《圣彼得的否认》、《施洗约翰》

米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔（意大利语：Michelangelo Merisi da Caravaggio，1571年9月29日—1610年7月18日），意大利画家，1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、热那亚、马耳他和西西里。他通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。

4、卡拉契

代表作品：《《圣母哀悼基督之死》

卡拉契（Carracci，1560～1609），勤练古典美，代表作祭坛画——《圣母哀悼基督之死》让汪（1603，92,8 x 103,2 cm，伦敦国家画廊），画中光线照耀在救主形体上，与整体引发观者情感的手法，都属巴洛克式的，构图简单和谐，有点感伤性，但避免提醒人们有关死亡的恐怖和受难的痛苦。

5、伦勃朗

代表作品：《木匠家庭》、《夜巡》、《三棵树》、《浪子回头》

伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606年7月15日～1669年10月4日）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。

伦勃朗早年从师P.拉斯特曼，1625年在家乡开设画室。画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等领域。

㈧ 什么是巴洛克艺术 巴洛克艺术的特点有哪些

在文艺复兴时期，出现了很多的艺术流派，这些艺术流派在当时都或多或少的对欧洲有些影响，有的艺术影响很大至今一直很流行，像巴洛克艺术就是17世纪在欧洲广为流传的一种艺术风格，对于巴洛克艺术的来源定义一直不太明确，有的专家认为来源于葡萄牙或者西班改销牙，但是又有很多人认为它来自于意大利，至今仍然是个迷，下面就让小编简单介绍一下巴洛克艺术，及其艺术风格。

巴洛克被古典主义认为是一种堕落的艺术，后来才公正的认为巴洛克艺术是一种公正的艺术，它的产生源自于反宗教的改革，罗马在当时是教会势力中心，在罗马盛行，虽然不是宗教发明的，但是巴洛克艺术是为了宗教服务的，因为教会而得以生存，被教会支持着。

而在17世纪巴洛克艺术的全盛时期之后的18世纪，巴洛克艺术逐渐的衰弱，后来在18世纪兴起的洛可可艺术和19世纪兴起的浪漫主义都受到巴洛克艺术深远的影响，在17世纪的意大利艺术家贝尼尼和佛兰德斯两位大师的作品所反映的就是巴洛克艺术最辉煌的艺术成就。

巴洛克艺术的特点是善于运用动势，无论是实际的建筑还是抽象的作品都可以看出其中的动感，变现了无穷感和庞大感;还有一个特点是善于运用光线，这和动势是相辅相成的，这种光线不是自然界的光，而是艺术大师们创作出的戏剧艺术的光线，使整体看上去特别有层次感和核庆游立体感以及深度。

巴洛克艺术主要表现在建筑、雕塑、绘画、服装、音乐和文学上，八大艺术种类巴洛克艺术占有四种，可见巴洛克艺术对于当时的影响深远。巴洛克艺术除了音乐其他的都是视觉上的表现，音乐是听觉上的表现，视觉上共同之处就是巴洛克艺术都是讲究含蓄的美，在绘画、建筑和雕塑上可以看出巴洛克艺术的动感十足，服装上则主要以收腰裹胸为前提，整体充满着贵族的气息;在音乐上不同与其他音乐上的一点是节奏感十分强烈、活跃，而且节拍短促。在文学上则主要是贵族形式主义文学，因为当时受宗教的影响较大，所以巴洛克文学比较高层次。

罗巴克艺术在今天的欧洲生活中也经常会看到，希望通过小编的介绍，大家可以对巴洛克艺术差宏有所了解。

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